Trong thế giới bán hàng nghệ thuật, việc xác nhận là rất quan trọng đối với tất cả các bên. Người bán cần uy tín, người mua muốn sự đảm bảo. Trước đây, nghệ thuật sẽ được xác nhận bởi một nhà sử học nghệ thuật, một người được đào tạo về một nghệ sĩ, trường phái, thời đại hoặc khu vực cụ thể, để nhận ra những chi tiết phức tạp nhỏ nhất trong hàng chục tác phẩm. Mặc dù những người này có tài năng xuất chúng nhưng con người lại dễ mắc sai lầm. Họ vẫn có thể có những thành kiến ​​hoặc quyền lợi được đảm bảo, được thể hiện bằng tính chủ quan. Tuy nhiên, phân tích dữ liệu khách quan, mở rộng là nơi AI tỏa sáng. 

“Công nghệ của chúng tôi biến đổi việc xác minh nghệ thuật bằng cách tăng thêm tính minh bạch và khách quan. Không giống như các phương pháp truyền thống phụ thuộc vào các chuyên gia con người, hệ thống của chúng tôi vẫn không thiên vị bởi sở thích cá nhân,” Tiến sĩ Carina Popovici, Giám đốc điều hành và đồng sáng lập của Art Technology , cho biết qua email. “Sự kết hợp giữa tính minh bạch, độ chính xác và tính khách quan này đã định vị công nghệ của chúng tôi như một công cụ tuyệt vời trong lĩnh vực xác thực nghệ thuật.” 

Cơ quan công nhận nghệ thuật có trụ sở tại Thụy Sĩ chuyên sử dụng các mô hình AI để xác nhận tác phẩm của các bậc thầy vĩ đại. Cho đến nay, công ty đã xác nhận hơn 500 bức tranh trên khắp châu Âu, bao gồm cả bức “Chân dung tự họa” của Van Gogh được trưng bày tại Bảo tàng Nghệ thuật Quốc gia ở Na Uy.  

Vào năm 2019, Art Certification đã được yêu cầu thực hiện phân tích bức tranh, cùng với các tác phẩm gây tranh cãi sôi nổi khác của Van Gogh, để xác nhận tính xác thực của nó. Bằng cách đào tạo mạng lưới thần kinh tích chập của họ trên hàng trăm tác phẩm của Van Gogh, cũng như dán nhãn hàng giả như các tác phẩm giả mạo khét tiếng của Wacker, công ty đã đánh giá tính xác thực của tác phẩm ở mức 97%, một trong những đánh giá chính xác nhất mà mô hình này từng đưa ra.  

Trong khi mô hình của công ty hiện đang tập trung vào nhóm khách hàng chủ yếu là Tây Âu, Tiến sĩ Popovici tự tin rằng sản phẩm có thể được đào tạo về bất kỳ bức tranh nào nếu có đủ dữ liệu. 

Cô nói: “AI của chúng tôi không có sự ưu tiên giữa việc đào tạo về nghệ thuật phương Tây hay phương Đông, miễn là có đủ số lượng hình ảnh để đào tạo”. “Trung bình, tối thiểu 100 hình ảnh làm cơ sở cho việc đào tạo và có thể mất từ ​​vài giờ đến 1-2 ngày.” 

Nhưng có những hạn chế đối với công nghệ này. Đáng chú ý nhất, AI chỉ hướng tới việc xác thực một tác phẩm thông qua việc so sánh với các tác phẩm đích thực. Nếu có một nhóm tranh do một học sinh thực hiện nhưng được gán không chính xác cho chủ nhân của chúng, thì thuật toán sẽ không thể nhóm chúng lại với nhau hoặc xác định chúng có những điểm tương đồng. Đây là nơi AI khơi dậy công việc của các nhà sử học nghệ thuật.  
 
Tiến sĩ Popovici cho biết: “Chúng tôi tin rằng nghệ thuật và AI hoạt động cùng nhau trong một sự trao đổi năng động giúp mở rộng tầm nhìn của chúng ta”. Nếu không có kiến ​​thức ngữ cảnh rộng hơn về thế giới nghệ thuật, không có trực giác của con người về con người và lịch sử xã hội, AI sẽ không hơn gì một công cụ nếu không có người lao động. Tuy nhiên, với dữ liệu và đào tạo nghiêm ngặt, AI có thể giúp nâng cao công việc của các học giả và nhà sử học. 

Xây dựng và khám phá 

Tuy nhiên, đối với nhiều người, AI không chỉ là một công cụ dành cho học giả và người bán hàng. Những người như Tiến sĩ Ahmed Elgammal, người sáng lập nền tảng nghệ thuật AI Playform , coi đây là một lĩnh vực non trẻ dành cho nghệ sĩ đang làm việc. 

“Mỗi nghệ sĩ đều cần một bản sắc. Các nhiếp ảnh gia cần khám phá những cách để khẳng định bản sắc đó vào thế kỷ 19 và phải mất thời gian để thuyết phục thế giới rằng nghệ thuật không chỉ là vẽ trên canvas,” Elgammal nói. “AI là một nghệ thuật, một phương tiện và một công cụ; và đó là nơi một bản sắc nghệ thuật mới sẽ được hình thành.” 

Playform, không giống như các AI tổng hợp khác, được đào tạo dựa trên dữ liệu do người dùng cung cấp. Thay vì sử dụng các tác phẩm nghệ thuật mà không có sự đồng ý của nghệ sĩ qua internet, Playform yêu cầu người dùng tải lên bộ dữ liệu của riêng họ. Người dùng có thể chọn các tác phẩm kiệt tác thuộc phạm vi công cộng hoặc tải lên tác phẩm của riêng họ, sau đó xem mô hình phản ánh lại cách diễn giải dữ liệu của nó. 

Facebook

“AI không phải là một kích thước phù hợp cho tất cả và mọi nghệ sĩ sẽ sử dụng công nghệ theo cách họ muốn. Elgammal giải thích: Điều mà chúng tôi thấy thúc đẩy hầu hết người dùng đến với nền tảng của chúng tôi là khả năng kiểm soát mô hình của riêng bạn. “Các nghệ sĩ muốn thực hiện một ý tưởng, bất kể họ tạo ra thứ gì, vì vậy, làm việc với mô hình để tạo ra tầm nhìn của bạn cũng giống như kỹ năng biết nên sử dụng loại canvas hoặc cọ sơn nào.” 

Rào cản gia nhập lĩnh vực này đã được hạ xuống. Dữ liệu để đào tạo các mô hình này chiếm toàn bộ máy chủ, nhưng một nghệ sĩ có thể mang theo khuôn mẫu AI nghệ thuật của họ trong túi, trên một ổ đĩa flash siêng năng. Đối với Elgammal, đây là cơ hội để lật lại câu chuyện về mối quan hệ giữa nghệ thuật và AI. 

Elgammal cho biết: “Phần lớn nghệ thuật AI bắt đầu từ các nhà công nghệ chứ không phải nghệ sĩ và những công cụ đó đòi hỏi rất nhiều kiến ​​thức để tận dụng tối đa chúng”. “Đó là lý do tại sao Playform lại quan trọng đến vậy; chúng tôi không tạo ra đồ họa trên mạng xã hội, chúng tôi tập trung vào bản sắc nghệ thuật, khả năng kiểm soát và quyền riêng tư.” 

Giống như xác nhận nghệ thuật, rõ ràng AI nâng cao tầm nhìn nghệ thuật. Nếu không có người quản lý phong cách, nghệ sĩ, ý tưởng, chủ đề hoặc kỹ thuật, mô hình sẽ không có bánh lái. Nó có thể gán các giá trị và tạo ra các kết nối, nhưng nó không thể hiểu được nó được tạo ra hay có ý nghĩa gì. 

Không thể thay thế được, không thể thay thế được 

Có rất nhiều lời đồn thổi về AI trong nghệ thuật và điều đó không phải là không có lý do. Nhưng thực tế là mọi người không xếp hàng để xem triển lãm của Art Bot Beta-73 tại The Met, và có lẽ họ sẽ không bao giờ làm vậy.  

Facebook

Elgammal cho biết: “Một vài năm trước, các phòng trưng bày quan tâm đến các cuộc triển lãm về AI, nhưng gần đây đã có một số phản ứng dữ dội”. “Cho đến khi chúng ta tìm ra sự khác biệt giữa việc tạo ra tác phẩm nghệ thuật và hình ảnh, tôi không nghĩ có gì phải lo lắng cả.” 

Sự khác biệt giữa hình ảnh và nghệ thuật chính là điểm mấu chốt. Hình ảnh chỉ nhằm mục đích sử dụng trong một tweet hoặc TikTok. Nhưng nghệ thuật—dù là bằng văn bản, hình ảnh hay âm nhạc—nhất thiết phải có tính nhân văn. AI cung cấp các công cụ mới để khám phá và thể hiện nó, nhưng việc hiểu tất cả những điều đó luôn phụ thuộc vào chúng ta, con người. 

Tác giả: Thomas Ebrahimi / Dịch Google 

________________________________________________

G Studio 

Art Design Center 

vietnamcolor.vn - fashionnet.vn

Contact: 0903788646 - 0903975081

Email: Huongcolor.gstudio@gmail.com \

Office: Vietthi Company Limited (Vietnam Vision)

30, C18 Street, ward 12, Tan Binh District – Hochiminh City 

Pro Creative Course I Khóa học Art, Design, Creativity, Writing, Storytelling: 6 buổi/tháng (cho mỗi môn học): Học viết, thiết kế, vẽ và tìm hiểu lịch sử nghệ thuật, phương pháp tư duy, xây dựng giá trị cốt lõi của sáng tạo. Những bài giảng tạo ra những gợn sóng xung động trong tâm trí và trái tim, giúp bạn tìm thấy những nguyên tắc dẫn lối tài năng của mình đến với cái đẹp và sự sáng tạo. Khoá học là một cuốn sách hướng dẫn hành trình trải nghiệm. Đây là lời mời hít thở bầu không khí nghệ thuật tại G Studio để bạn cảm nhận cái đẹp từ cuộc sống, thiên nhiên và tâm hồn. 

HuongColor I người sáng lập G Studio là nhà thiết kế, họa sĩ và giám đốc sáng tạo, biên tập tạp chí thời trang. 1996 tốt nghiệp ngành Thiết kế tại Hanoi University of Industrial Fine Art (UIFA), sau đó Huongcolor trở thành giám đốc sáng tạo của tạp chí Đẹp. 2007 cô sáng lập công ty truyền thông, quảng cáo Vietnam Vision (Vietthi Company Limited). Năm 2010, cô được bổ nhiệm giám đốc nội dung của Elle Magazine. 2016 sáng lập Vietnam Designer Fashion Week (VDFW). 2021 thành lập G_studio tư vấn chiến lược và định hướng sáng tạo, hoạt động trong lĩnh vực truyền thông, thiết kế, nghệ thuật.